miércoles, 13 de noviembre de 2019

EL PLAN DIVINO


Una película de VÍCTOR LAPLACE


GASTON PAULS, VICTOR LAPLACE, 
 JAVIER LESTER y PAULA SARTOR



Dirección: VICTOR LAPLACE
Guion: LEONEL D’AGOSTINO
Basado en la obra “Niños Expósitos” de RAFAEL BRUZA
Colaboración Autoral DIEGUILLO FERNANDEZ
Producida por LUIS SARTOR y VICTOR LAPLACE
Producción ejecutiva: JONATHAN DANIELE
Asistente dirección: MARCELO BRIGANTE
Dirección de fotografía y cámara: AGUSTÍN “TEDY” ALVAREZ
Dirección de arte: ADRIANA MAESTRI
Vestuarista: JIMENA “PETA” ACEVEDO




Sinopsis

En una pequeña iglesia aislada en la selva misionera, viven dos monaguillos cuarentones: Eustaquio (Gastón Pauls) y Heriberto (Javier Lester). 
Ambos fueron abandonados siendo niños y crecieron como hermanos, bajo la tutela del Padre Roberto (Víctor Laplace), un anciano sacerdote que fue el mentor de ambos y al que ahora, en el final de su vida, deben cuidar y proteger.
Eustaquio pretende quedar al mando de la Iglesia y Heriberto piensa sólo en María S. (Paula Sartor), una hermosa y enigmática joven, que apenas repara en él.
Ambos enfrentan su primer gran crisis existencial que los lleva a poner en marcha un riesgoso plan, un plan divino.
Por supuesto, no todo ocurre de acuerdo a lo planeado, y el destino se encarga de resolver la vida de estos dos antihéroes.
EL PLAN DIVINO es una película que en tono de comedia permite indagar en temas complejos e incómodos, utilizando la risa como herramienta de reflexión.


Mi opinión - Irene Acosta Alfonzo



Es una película que muestra un gran conocimiento del cine, de la actuación, de la vida y de la fe. Se nota que está hecha por un ser que ama su tarea y cree en el amor de Dios, un ser que cree e intuye con quienes debe llevar adelante su proyecto.



Muestra la pequeñez del mundo frente a la inmensidad de Dios, así comienza y desde allí, por medio del humor, nos lleva a experimentar un cumulo de emociones, de vivencias, de realidades, que son en algunos casos muy dolorosas, pero con el filtro del humor nos permite penetrarlas, conocerlas y de algún modo nos induce al perdón, nos muestra que el perdón es la forma final de todo camino signado por el abandono, el abuso o la ignorancia. 

Esta película tiene mucho de perdón, pero no un perdón liviano que se da sin entender, es un perdón que viene como consecuencia de un largo camino de vida.

Estos “monaguillos crecidos” fueron niños huérfanos, aquellos niños que se llamaban expósitos, de los que muy pocos recuerdan, son esos seres olvidados que quedan desprendidos de toda posibilidad de familia y de algún modo hace años, la Iglesia amparaba con todos sus defectos y virtudes. 

El amor de una mujer, el amor de Dios, la vocación, los vínculos con las gente, todo está planteado en clave de humor con eje en ese cura viejo y cansado de todo, tenebroso, en su oscuridad ya no hace mal a nadie porque perdió todo poder. 

¿El Plan Divino lo diseña Dios o la mente del ser humano? Parece que todas las señales son a veces confusas pero en nuestra imaginación todo un vuelo enorme y armamos un plan que no siempre es “divino”, de todos modos el verdadero Plan Divino siempre obra mejor de lo que nosotros podemos pensar.

El escenario natural elegido es tan exuberante y perfecto que le da un marco hermoso a la historia, esa capilla pequeña en medio de ese pueblo tan lleno de vegetación, las cataratas, la gente local que actúa en la película, todo es bello y agradable.

Te vas a reír mucho, vas a pensar, te va a dejar un buen mensaje. 
Es excelente y la recomendamos especialmente!


martes, 12 de noviembre de 2019

“Los Sonámbulos” de Paula Hernández




Érica Rivas 
Ornella D´Elia.
Luis Ziembrowski
Marilú Marini
Valeria Lois
Rafael Federman 
Daniel Hendler.

Productor: Juan Pablo Miller/ Paula Hernández
Productor Ejecutivo: Juan Pablo Miller
Guión: Paula Hernández
Director de Fotografía: Ivan Gierasinchuk.
Directora de Arte: Aili Chen.
Vestuario: Mónica Toschi.
Directora de Casting: María Laura Berch.
Montaje: Rosario Suárez.
Director de Sonido: Martin Grignaschi.
Director de Producción: Gastón Grazide.
Asistente de Dirección: Mariano Biasin.
Música:  Pedro Onetto



Sinopsis

Una mujer, Luisa, y su hija de 14 años, sonámbula, en pleno despertar. 
Un matrimonio en los bordes de una crisis silenciada. 
Una familia ritualista y endogámica. 
Abuela, hermanos, primos. Verano, sudor, alcohol, tradiciones. 
Cuerpos desnudos, cuerpos que cambian y la miradas sobre esos nuevos cuerpos. 
Un festejo de fin de año en la casona histórica familiar, es la encerrona calurosa y necesaria, para que los sonámbulos despierten.


 Mi opinión - Irene Acosta Alfonzo


Esta película nos abre a mirada sobre los vínculos: con nosotros mismos, con la pareja, la familia y los parientes. 

Esta historia que reúne distintos arquetipos psicológicos nos muestra todo lo que se juega en el interior del ser , como las mujeres andamos errantes en los sentimientos en busca de ese despertar que parece demorarse detenido por los miedos, las desvalorizaciones de los mas cercanos, el amor y el desamor, la necesidad de aprobación que experimentamos a lo largo de la vida, los juicios y los intereses de los otros que condicionan nuestra libertad.

En esta historia de una familia que suele padecer este sonambulismo hay unas ganas intrínsecas de despertar y ver, esto será posible en el tiempo justo, tal vez  se deba sufrir un trauma para despertar. 

Cada ser tiene su tiempo de acceder a esa elección de su libertad y en ocasiones una posterga tanto las decisiones que pasa por dolores extremos. 

Mas que el egoísmo del otro es nuestra capacidad de decisión y la valentía que implica lo que marca el limite entre el sufrimiento y la liberación.

Los actores y actrices desarrollan tan bien su labor que te vas a sentir parte de esa historia; es un placer verlos actuar por la forma de expresar cada emoción, tan natural y tan profunda a la vez.

Las imágenes, las luces y sombras de cada escena, todos los detalles están muy bien ensamblados para dar un resultado exacto.

Es una película excelente desde el principio al fin, te deja un gran mensaje.

Muy recomendada!!!



miércoles, 6 de noviembre de 2019

PIEDRA, PAPEL Y TIJERA

HAY JUEGOS QUE DURAN TODA LA VIDA


Guion y Dirección: 
Macarena García Lenzi y Martín Blousson

Agustina Cerviño - Valeria Giorcelli - Pablo Sigal

Director de Fotografía: Nicolás Colledani
Director de Arte: Fabián Harsany
Vestuario: Laura Ohman y María José Paulucci
Maquillaje y FX: Constanza Pugliese y Simón Ratziel
FX: Piromanía FX / KATO Stunt Group
VFX: Alejandro Soler
Director de Sonido: Sebastián González (ASA)
Música original: Emilio Haro y Gabriel Barredo
Asistentes de Dirección: Sebastián Cortés
Montaje: Martín Blousson
Jefa de Producción: Mara Raicevic
Jefe de Producción en Postproducción: Hernán Virués
Postproducción de Sonido: El Cono del Silencio



Jesús y María José son hermanos. Viven juntos en la casa que
perteneció a su padre, recién fallecido. 
Su rutina es interrumpida por la llegada desde España de Magdalena, su medio hermana por parte del padre. 
Luego de varios años sin verse ella viene en busca de la parte que le corresponde
legalmente por la propiedad. 
Pero ellos no quieren vender la casa y para lograr su objetivo se servirán de una cantidad de juegos perversos donde será difícil distinguir quién tiene la piedra, quién el papel y
quién la tijera. 

NOTA DE LOS DIRECTORES

En PIEDRA, PAPEL Y TIJERA buscamos explorar el tipo de horror que más nos interesa: el más humano (o psicológico), aquel con el que podemos identificarnos. 

En las familias suele jugarse una guerra interna y por más que uno busque distanciarse, ese conflicto nos acompaña de alguna forma hasta que encontramos la forma de enfrentarlo y - acaso si es posible - resolverlo. 



Nuestros personajes cargan con historias personales que los condicionan a la vez que los torturan. 

Sus acciones en el presente nos revelan paulatinamente las huellas de ese tortuoso pasado. Los modos de la niñez como una forma de defensa, la fragilidad de un refugio que se ve amenazado y la búsqueda del resarcimiento y el orgullo, entrelazados en un vínculo podrido como ese hogar dejado y lleno de paredes húmedas.

Las actuaciones sostienen con solidez esta dinámica, apoyada en un diseño de arte donde cada personaje parece fundirse con el entorno y acompañado todo por una música hipnótica, tan juguetona como inquietante.

En definitiva, intentamos construir un juego más, uno definitorio, un tablero donde tres personajes van dejando sus fichas reaccionando como apenas pueden, empujados por instintos, temores y deseos. Un juego en el que es evidente que no hay victoria posible.
  

Mi opinión:

Es un thriller psicológico que nos lleva por todos los rincones de nuestro inconciente y nos trae a la memoria recuerdos y sensaciones muy claras. 

Fue en principio una obra de teatro y luego tuvieron la idea y la posibilidad de llevarlo al cine. Las actrices habían estado en la obra de teatro, el actor no.

Estos hermanos son el producto final de las cuestiones de sus padres, que aunque ya no están, los dejaron atrapados en algún lugar de ese tiempo-espacio que tan bien manejan, tal vez por no animarse a salir de el o por cierta atracción con el.

La única hermana que pudo salir vuelve y allí queda en medio de ese juego mental en el que ella también tiene su lugar.



La casa en donde se desarrolla toda la película es el 4º. Actor/actriz; un lugar impresionante, fuerte en imágenes y a la vez acotado, en donde los actores se mueven con un magistral manejo de los gestos.

El hermano filma todo el tiempo, se supone que luego hará un documental o una película. Esa realización del hermano se va poniendo a cada tantos minutos y es hermosa por la estética y los efectos que provoca.

Las actuaciones son excelentes, estos tres personajes te mantienen en vilo todo el tiempo y los vas amando y odiando a la vez.

La fotografía es excelente. La escenografía también es tan impactante que te lleva a percibir hasta los posibles olores que habría en ese lugar.

El guion tiene lo justo y equilibrado para entrar en esa dinámica de la esclavitud mental que implica el miedo, el conflicto, la pena, la apatía. 
Por momentos son tres niños que tejen complicidades, y en otros momentos son adultos agobiados de miedos que pugnan por salirse de esa rueda de tenebrosa locura.

Tiene escenas muy fuertes que son llevadas con el cuidado necesario, quedando así dentro de lo que una mente humana que va enfermando por su entorno puede llegar a diseñar y vivir.

Por momentos uno es la piedra y luego será el papel o la tijera, porque los tres transitan la historia con roles que se tocan y se alejan.

Miren bien a estos actores y actrices porque son excelentes y esperamos verlos pronto en el trabajo que les llegue.

Muy recomendada!!!





RICHTER - AUTOGESTION 20años


(Resumen escrito de la entrevista que hicimos el 2/11 en www.radioemociones.com)

Esta fecha los lleva a cambiar un poco la forma de tratar los recuerdos, porque les molesto desde chicos ese asunto de guardar los recuerdos, pero en este momento les intereso hacer una especie de recorrido por estos 20 años y ver un poco que paso.

Richteria, su último tramo en este trabajo musical, encontró un buen cierre en Junín visitando la cárcel porque allí los presos que están próximos a salir en libertad se autogestionan su vida afuera.

Los 20 años ameritan esta especie de nostalgia y se transforma en una etapa nueva. La tecnología ha cambiado y ellos en el recuerdo las canciones ahora suenan diferente.
También tenemos distinta forma de mostrar la música terminada, antes se grababan discos y hoy están las plataformas digitales.

Richter ya tocaba cuando ocurrió el desgraciado suceso de Cromañón, ese suceso cambio la forma de mostrar la música  en vivo. Marco un hito que dejo una herida abierta, justificada por lo doloroso de lo ocurrido, pero que también se uso políticamente y eso cambio, por las prohibiciones hubo espacios que no se recuperaron más.

Hoy en día se vuelve a ver músicos en pequeños lugares, bares, o espacios públicos.
Hay una idea de la gente en donde el músico o el artista callejero molesta.

Hay menos tolerancia en general, en los vínculos, en la información, en la atención o concentración sobre algo determinado. Richter dice que cree que en algún momento esto va a cambiar y va a volver a fijarse la atención en las cosas tomando más tiempo para sentir y entender.

Esta banda toma postura política frente a los sucesos sociales, no queda indiferente en lo que le ocurre a la gente.

Hablamos de la situación de Chile ya que Richter fue a grabar recientemente y en muchas oportunidades anteriores.

Poner a Chile como ejemplo de economía o de modelo político queda ahora expuesto como una más de las falacias que se suelen decir en estos gobiernos que ahogan la economía de la gente. 
En Chile la gente vive mal, nos comentan a raíz de sus viajes frecuentes a ese país; a diferencia que Uruguay y Argentina que aún conserva la clase media. 
Chile es un país que no tiene industria, que la gente trabaja toda en servicios. 

La gente rica vive bien en todos lados, ve lo que le muestran en cada lugar en donde llegan.

A la gente le piden un esfuerzo, pero si eso implica dejar de viajar en transporte público porque no pueden gastar en eso, o dejar de comer, les piden que esperen y  les dicen que se necesita tiempo, pero eso también forma parte de estos gobiernos que ahogan a la gente.

Sugieren que entren en la web, www.richternet.net,  porque allí cargan todo el material para que todos puedan acceder de forma gratuita. 

Richter entiende que las comunicaciones están cambiando y por eso como es su estilo lo pone a disposición de todos.

Richteria es el último disco que tiene en el arte de la tapa el Castillo de Piria y un dinosaurio que emerge por detrás. Hablamos de la iconografía de los lugares y casas que son parte de nuestra historia cotidiana.

Nos cuentan que ellos son de camuflar las canciones para hablar de una cosa y dejar traslucir otras cosas; cada uno entiende lo que le llega. 

Miran lo surrealista como una estética que los idenifica por lo que citan de Breton, poner algún elemento fuera del lugar habitual o preconcebido. Todo lo raro les llama la atención y usan eso como ingrediente para su creación. 





La música entra de forma sutil, llega  de alguna manera. 

Hablamos de Piria y como les gusto ese personaje. Un hombre que fue un visionario en marketing.



Las letras de Richter son la columna de cada tema, escriben sobre un tema porque se entienden muy bien para componer. 
En Richteria agarraron mucho el tema de los personajes que fueron encontrando, y dentro de esa modalidad y de ese humor que manejan surgen los temas.

Nos cuentan como nacieron como grupo, los intereses nerds, como ellos lo llaman. Su relación es muy buena y eso se ve al compartir con ellos. Nos cuentan que suelen hablar de todos los temas, y se ve que ese humor agudo y acido a la vez hace que todo sea muy agradable. 

Gracias RICHTER por visitarnos !!!


Pueden visitar a Richter en www.richternet.net

En las redes sociales: Facebook/ Richter Electrorock  
Spotify / Richter Electrorock
Youtube / Richter Argentina

lunes, 4 de noviembre de 2019

LA VIDA EN COMÚN


 Dirección y Guion: Ezequiel Yanco

Productores: Pablo Chernov, Ezequiel Yanco
Co-Productores: David Hurst, Ana Godoy, Juan Godoy
Dirección de fotografía: Joaquín Neira
Sonido: Mercedes Gaviria
Montaje: Ana Godoy
Montaje adicional: Florencia Gomez Garcia
Coordinación de Post-Producción: Juanse Alamos y Juan Godoy
Escritura de la voz en off: Agustín Godoy, Ana Godoy, Ezequiel Yanco
                                           Asistente de dirección: Ignacio Ceroi


Sinopsis
Un puma acecha Pueblo Nación Ranquel. Cazar es un rito de pasaje, y los chicos más grandes quieren matarlo. Pero Uriel decide tomar otro camino.    La vida en común se filmó en una comunidad indígena de San Luis. El estado provincial construyó veinticuatro carpas de cemento en medio del desierto. Un campamento moderno al que se mudaron los ranqueles de las ciudades vecinas. Es el origen de una comunidad, y de una escenografía que también es protagonista de la película.

Sobre el Director: Ezequiel Yanco 
Ezequiel Yanco (Buenos Aires, 1976) se graduó con diploma de honor en la carrera de Historia de la Universidad de Buenos Aires. También realizó la Maestría de Escritura Creativa en Español de la Universidad de Nueva York (2013-2015). Dió clases de cine e historia en la Universidad del Cine, escribió crítica cinematográfica, y compiló los textos de Harun Farocki en Desconfiar de las imágenes (Caja Negra Editora, 2013). 
En cine dirigió “Los días” (2012), su ópera prima, y el cortometraje “La piel” (2014). Ganó el concurso de cortometrajes Historias Breves del INCAA, el premio al mejor cortometraje del Fondo Nacional de las Artes y, con su ópera prima, el premio del público en la Mostra Internacional de Cine de San Pablo. “La vida en común” se estrenó en co-world premiere en la Competencia Argentina del BAFICI y en la Competencia Internacional de Visions du Réel (2019). También fue seleccionada en Sheffield Doc/Fest, Camden Film Festival, Biarritz América Latina, el Festival de Hamburgo y DocLisboa, entre otros.  Actualmente, desarrolla “Gloria de los bosques”, segunda parte de la trilogía sobre la Conquista del Desierto, iniciada con “La vida en común”. Isoi Cine es su compañía productora.   

Sobre “La vida en común”
La vida en común aborda la Conquista del Desierto, la expropiación de tierras y exterminio de la población indígena por parte del ejército nacional, a fines del siglo XIX.   Con la película me propuse unir mi formación como historiador con el cine, áreas que solían estar separadas. De ahí mi interés en filmar la actualidad de esos territorios y pobladores, que están cargados de historia. Filmar como forma de conocimiento, preguntándome cómo coexiste el pasado y el presente, las tradiciones ancestrales y la vida contemporánea. Explorar desde el cine las formas de vida híbrida, las nuevas experiencias contaminadas por la modernidad.    En Pueblo Nación Ranquel encontré un campamento indígena con veinticuatro carpas de cemento creado por el gobierno de San Luis en medio del desierto, al que se mudaron las familias ranqueles de las ciudades vecinas para iniciar un experimento de vida comunitaria. Una comunidad que construye su identidad en una escenografía que mezcla la arcaico con lo moderno: los caballos, las motos, la cumbia, Youtube, los celulares, y los ritos ancestrales. Nuevas experiencias indígenas y sus tensiones socio-politicas captadas desde la mirada de los niños y su pasaje a la adolescencia, que dejan fuera de campo la presencia de los adultos.  

 Mi opinión:

Este documental es impactante por la unión de historias, el paisaje y su rudeza, en contraste con la inocencia de los chicos, el despertar de estos varones despuntando la adolescencia que irrumpen en un escenario agreste, esa naturaleza que los hace parte desde sus raíces ranqueles a la vez que ellos la invitan a participar de sus costumbres adquiridas en la vida de los pueblos y ciudades cercanas. 
Es una historia de vida y raíces contada por chicos; por momentos en medio de un silencio que hace sentir la mas profunda soledad, y en otros momentos ellos rompen ese vacío con la cumbia que escuchan, a la vez esa cumbia en particular impresiona por ser un estilo determinado dentro de ese ritmo, es la cumbia de algunos carteles de la droga que ha ido corrompiendo nuestro tejido social. Me lleva a pensar en otro tipo de esclavitudes que estos pueblos, por carencias de derechos, como tantos otros grupos dentro de nuestro país o en otros sitios del mundo, han ido penetrando en forma silenciosa. Sera la música, las formas, las costumbres, las palabras, hasta que los tengan mas a mano para atraparlos como ellos creen atrapar al puma. El puma es fuerte, traicionero, siempre al asecho, tiene margen para resistir, les gana en costumbre territorial, pero los chicos quieren derrotarlo, convertirse en cazadores, aun los que querían otro destino quedan atrapados en la idea de serlo para obtener ese poder que puede ostentar allí entre los suyos.
Esas carpas de cemento que les proponen como vivienda son un elemento raro que tal vez tiene como finalidad ser armonioso con el paisaje.
Ellos están dispuestos a la experiencia, un poco resignados, un poco aventureros porque la edad los empuja a descubrir y descubrirse.
Esta larga investigación que hace Ezequiel Yanco, director de esta película, creo que supera en cantidad de material la intención primera de unir su raíz de historiador y realizador de cine, creo que da para desarrollar el tema de forma que al fraccionarlo se entienda la profundidad de la experiencia que significa la convivencia de las diferentes raíces; una historia de abusos que hay que redimir.

Mucha información, demasiada aridez, no deja claro adonde apunta aunque uno pueda inferir muchas cosas.
Solo para entendidos o investigadores del tema.




“DESPUES DE CASA DE MUÑECAS”





PAOLA KRUM, JORGE SUAREZ, JULIA CALVO
      y la presentación de Laura Grandinetti

de LUCAS HNATH  
Dirigida por JAVIER DAULTE
Escenografía de Alicia Leloutre y Julieta Kompel
Diseño de vestuario de Ana Markarian
Diseño de luces de Sebastián Francia. 




DESPUES DE CASA DE MUÑECAS es la nueva obra del autor norteamericano Lucas Hnath, en versión de Fernando Masllorens y Federico González del Pino, con dirección de Javier Daulte y producción general de Pablo Kompel. 

Quién golpea la puerta? Nora (Paola Krum) ha regresado, 15 años después de haber dado el portazo y abandonado a su familia en la escena final de la obra más revolucionaria del  afamado dramaturgo noruego Henrik Ibsen. Fiel a su deseo, Nora se ha convertido en una tan famosa como controvertida escritora, que sufre la extorsión de un juez que puede implicarle caer en prisión a menos que consiga la ayuda de su esposo abandonado Torvald (Jorge Suárez), su hija ya convertida en joven mujer (Laura Grandinetti) e incluso de la estoica nana (Julia Calvo), quien se ocupó de cuidar a sus hijos luego de su partida intempestiva. Nora tiene sus urgencias pero claro, su familia tiene también varios asuntos pendientes con ella ….   

No hace falta que hayas leído Casa de Muñecas de Henrik Ibsen para ver esta obra, porque el tema es tan actual como humano y te hará pensar.

Nominada a 7 Premios Tony, DESPUES DE CASA DE MUÑECAS, batió el récord como la obra  llevada a escena en la mayor cantidad de teatros (27) en Estados Unidos durante la temporada 2018, convirtiéndose en una experiencia teatral de visión imprescindible y de una actualidad contundente, que confronta nuestras ideas y preconceptos sobre de que hablamos cuando hablamos de la igualdad de derechos de la mujer – (y del hombre); y que explora  la valentía, el costo emocional y las responsabilidades que implica tomar decisiones siendo fiel a una misma/o.  

Mi opinión:

¿Que pasa cuando el pasado vuelve a ponernos en el ojo de todos?

Un abandono es vergonzante en los juicios morales de una sociedad atada a estructuras duras, por eso es mejor darle una forma mas "digna" como es la muerte, alguien que muere no esta mas pero no deja culpas, es mas aceptable que alguien que elige irse.
Pero si regresa todo queda expuesto y la mentira es mas indigna que la verdad cruel.

Los vínculos, el ser mujer, la relación con el varón; todos estos temas que parecen estar resueltos son, sin embargo actuales luchas por los derechos a la identidad propia de genero.
Ser mujer y no dejar de ser persona, la capacidad de elegir sin inmolarse, la vocación de cada persona frente a la maternidad, el matrimonio, la propia vocación de expresarse como un ser humano independiente, estos son los temas que la humanidad debe seguir revisando para que el vinculo de pareja, el matrimonio, no sea una celda en donde uno debe morir a si mismo, y menos en donde sea la mujer por genero la que este condenada a renunciar a su propia expresión, a ser libre de ser y de ganarse un lugar en este mundo.

La oportunidad de pensar, la reflexión como sociedad que aun ampara esos espacios estancos en donde es la mujer la que renuncia y posterga o abandona sus propios deseos.
En este siglo XXI en donde la mujer debe trabajar a la par del hombre aun soporta la consigna social de ser casi única responsable de sus hijos. 

Esta obra te abre la puerta a un pensamiento mas amplio en donde los juicios quedan obsoletos, y la posibilidad de equilibrio entre varón y mujer seria el remedio sugerido para sostener la vida con suficiente armonía en homenaje al amor con el que la pareja comienza; la promesa de amor eterno es pretenciosa pero a la vez es incumplida por cuanto amar es dar, es abrir la mano y permitir que el otro se realice.


Todo esto esta expresado de forma tan maravillosa en las actuación de Paola Krum.
Jorge Suarez refleja tan bien ese hombre proveedor que no puede cargar la vergüenza del abandono por la propia culpa y así el mismo se esclaviza en la idea de esconder su propio deseo de ser feliz.
La nana que interpreta Julia Calvo es sencillamente magnifica, ese carácter firme, picaresco, inocente y lleno de preconceptos marcados a fuego por una sociedad que no deja ser.





Laura Grandinetti es luminosa, un ser angelical por fuera con un corazon que calcula todo según el mandato social que conviene seguir; esta blindada por el abandono de su madre y proyectada a ser todo lo que su madre rechazo pero imponiéndose en carácter y forma. 




Esa forma de expresar el vinculo en donde uno domina y otro es dominado, así son las reglas; simplemente unos se juegan a cambiarlas y otros redoblan la apuesta y pretenden ser el dominante aun siendo mujeres.

Vayan, vean, piensen, y rompan estructuras.

Muy recomendada!!!

Gracias SMWPress

El Corazon del Mundo


Direccion: Lautaro Delgado Tymruk




Actúan: William Prociuk, Ezequiel Rodríguez y Lautaro Delgado Tymruk

Los sábados a las 20.30 hs. se presenta en Teatro Callejón Humahuaca 3759







Esta original puesta articula actores y hologramas para construir un relato donde confluyen experiencias vulgares, místicas, febriles, inocentes, una constelación de sucesos impregnados de ternura, de un halo onírico.

Un hombre camina sólo por la calle y es golpeado sorpresivamente de un palazo por un vagabundo en la noche. 
Cae y antes de llegar al piso su cuerpo estalla y vive en un instante tres vidas distintas. 
O quizás más. 
Nace y muere y vuelve a nacer en otros cuerpos. 
A veces es uno y a veces es toda la humanidad.

Palabras de Lautaro Delgado Tymruk sobre la obra:

La obra de Santiago Loza relata un suceso traumático y místico: un hombre en la noche es interceptado y golpeado en la cabeza por un vagabundo. Al caer su ser se triplica. 

Vive tres vidas en un instante. O quizás más.
Lo que verán en la obra no es real. O quizás sí. 
Nunca lo sabremos. 
Verán el estado de inconciencia del sujeto golpeado o su alma sumergiéndose en distintos cuerpos. Siendo testigo. De su muerte. De su nacimiento. Por las bambalinas de la vida. Observando el flujo vital. El corazón del mundo.

Quise generar una obra de umbrales. Dónde pueda verse una constelación de dimensiones. Donde los actores puedan entrar y salir de cuerpos. Cuerpos que transitan su drama. Lo único que tienen.

Investigué diferentes tipos de ilusiones ópticas. Llegué a un efecto anterior al holograma,  el efecto “Pepper Ghost”. Un antiguo truco de magia que se utilizaba en los teatros antes del 1900 para hacer apariciones de gente a través de un sistema de reflejos. 
Lo más parecido a trabajar con fantasmas. 
El nuestro es entonces un teatro fantasmal. Teatro fantasmático. De presencias. 
Será lo más parecido a crear una tercera dimensión. 
La que se crea entre la relación entre la primera (la real) y la segunda (la virtual). 
En esa relación se creará la otra. Una terceidad.

Y así, gracias al enorme trabajo de un equipo talentosísimo y metódico, mis tres pasiones, el teatro, el cine y la magia, confluirán en escena.

Santiago Loza y Lautaro Delgado Tymruk se conocieron estudiando en la Carrera de Dramaturgia de la Emad. 
Hace un tiempo le pasó la obra para que la lea. Lautaro decidió dirigirla. 
Se dispuso trabajar con un dispositivo de ilusión óptica que cree algo similar al efecto producido por los hologramas: presencias flotando en la escena del teatro que no están.

Comenzó a ensayar la obra y a filmar en paralelo. Se creó un equipo de montaje teatral ensamblado a un equipo de rodaje con más de 40 actores y actrices.

Su formación como actor y en dirección cinematográfica lo ayudaron a afrontar el desafío. 
Y también su conocimiento en el mundo de la prestidigitación.

La obra no tiene la pretención de un sistema perfecto de hologramas de una mega producción. Es artesanal.  Es también un experimento. 
Un laboratorio que permite el juego de energías desatadas. 

El estreno de la obra y su debut como director también coincide con el estreno de su primer documental: Treplev. Lo codirigió junto a Esteban Perroud y se estrena en el FIDBA en la misma fecha.

Escenografía: Abigail Cohen
Realizador: Cristian Matías Amaya
Diseño de luces: Ricardo Sica.
Asistente de dirección: Violeta Palukas
Producción: Felicitas Luna
Diseño de sistema de video: Paula Coton y Sebastián Zavatarelli
Ángel de la guarda: Lorena Muñoz
Asesoramiento Coreográfico: Margarita Molfino
Diseño gráfico: Carolina Mas
Fotografía: Emiliano Romero

Equipo del Film holográfico

Dirección: Lautaro Delgado Tymruk
Asistente de Dirección: Violeta Palukas
Dirección de Fotografía: Leonardo Pazos
Eléctrico y Gafer: Jerónimo Prieto
Directora de Arte: Abigail Cohen
Asistentes de arte: Juliana Capparelli y Arlene Campbell
Vestuario: Laura Cacherosky
Asistente Vestuario: Magdalena del Mar Rodríguez
Maquillaje y Peinado: Alberto Moccia
Montaje: Nicanor Loreti, Fernando Szurman, Roly Rauwolf
Producción: Felicitas Luna
Asistente de Producción: Silvia Oleksikiw
Música compuesta, producida y mezclada por Marco Bailo en Estudio Templo Limón

Actores: Adrian Pugach, Matías Delgado, Debora Peters, Sophia Beretta Delgado, Facundo Delgado, Manuel Pandelo, Filiberto Mugnani, Armenia Martínez, Alberto Navarro, Brenda Pugach, Violeta Palukas, Eliana Kern, Diego Gentile, Alicia Tymruk, Sang Min Lee, Chang Sung Kim, Maya Kim, Juan Marcelo Duarte, Lorena Muñoz, Natacha Delgado, Jose Mehrez, Jerónimo Prieto, Simón Ávila Muñoz, Javier Puebla, Micaela Cortina, Florencia Mengoli, Mercedes Domínguez, Jorge Prado, María Cristina Cernuda, Corina Romero,Silvia Oleksikiw, Felicitas Luna, Susana Varela, Anabella Bacigaluppo, Gabo Correa, Celeste Silanes, Alberto Moccia, Nicolás Herzog, Juan Pablo Gómez, Gustavo Martinez, Alejandro Star, Magdalena del Mar Rodriguez, Juliana Capparelli, Arlene Campbell,  Abigail Cohen.