martes, 20 de octubre de 2020

MUJER EN GUERRA

 

(Kona fer í stríð / Woman at War)

Una película de Benedikt Erlingsson


ESTRENO 22 DE OCTUBRE EN

PREMIOS

Premiada en Cannes (Prix SACD, Semana de la Crítica)

Lux Film Prize (Parlamento Europeo)

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 SINOPSIS


Halla es una mujer independiente que detrás de una rutina tranquila esconde una doble vida como activista ambiental. 

Conocida por su seudónimo “La Mujer de la Montaña”, secretamente le declara la guerra a la industria del aluminio y su incesante contaminación. 

Pero justo cuando empieza a planear su acción más importante, recibe una carta que lo cambiará todo: su solicitud para adoptar una nena fue finalmente aceptada y está a un paso de cumplir su sueño de ser mamá.


FICHA TÉCNICA

Título original: Kona fer í stríð (Woman at War)

Dirección: Benedikt Erlingsson

Guion: Ólafur Egilsson, Benedikt Erlingsson

Música: David Thor Jonsson

Fotografía: Bergsteinn Björgúlfsson

Empresas Productoras:

Coproducción Islandia-Ucrania-Francia; Slot Machine / Gulldrengurinn / Vintage Pictures / Nordisk Film

Género: Drama. Thriller

Año: 2018

Duración: 101 min.

País: Islandia, Ucrania

Distribuye: Maco Cine

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 ELENCO COMPLETO

Halldóra Geirharðsdóttir, Davíð Þór Jónsson, Magnús Trygvason Eliassen, Omar Gudjonsson

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Sobre Benedikt Erlingsson



Se graduó en la Academia de las Artes de Islandia en 1994 y es una de las figuras más destacadas del teatro en su país. 

Ha recibido varios Grima (los premios islandeses de teatro) por su trabajo como director, autor y actor.

Es muy conocido por haber actuado en la serie televisiva Fostbrædur (Blood Brothers), que ganó numerosos Edda (los premios islandeses de cine y TV). 

También ha sido actor en varias películas, como The Boss of It All, de Lars von Trier, que participó en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2006. 

Ha dirigido dos cortometrajes, Thanks (2007) y The Nail (2008) y dos largometrajes, los cuales han ganado el Premio de Cine del Consejo Nórdico.

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Imposible olvidar el momento del descubrimiento de un verdadero cineasta. 

Finales de septiembre de 2013: un desconocido islandés, Benedikt Erlingsson, presenta en la sección de Nuev@s Director@s del festival de San Sebastián, su primera realización en, también, su primer festival y, por tanto, primer encuentro con el público.

Historias de caballos y hombres (estrenada en Argentina) reunía varias situaciones entre el animal más interactivo con el hombre, el caballo, y los personajes de una aldea, que confirman la animalidad del ser humano y, también, la humanidad de los animales.

En MUJER EN GUERRA, Halla (el nombre de la protagonista) proviene de la historia del país. 

Halla y Eyvindur fueron una pareja de bandoleros del siglo XVII que sobrevivieron más de 20 años en plena tundra islandesa. 

Un nombre que resuena al unísono de la historia. 

Halla sería una Robin Hood actual que lucha contra los poderosos para conservar los recursos naturales del país.

Y, como siempre, otra genialidad más de Benedikt Erlingsson, al añadir momentos musicales del grupo que se ha encargado de la magnífica banda sonora de la película, a la más pura manera brechtiana para sacar al espectador del ensueño de la ficción y recordarle que lo que está viendo es la más cruda realidad.

(Extracto de nota en Fotogramas.es)

Cris Zurutuza Prensa


Escribir en el aire

 

Una película de Paula de Luque





Estreno: Jueves 5 de noviembre 20hs por 
         Segunda emisión: sábado 7 de noviembre a las 20hs 


Disponible en 


   del 6 al 13 de noviembre




Un viaje poético y profundo al universo creativo del célebre coreógrafo de danza contemporánea Oscar Araiz.

Concebida como una experiencia sensorial y musical, 

Escribir en el Aire escapa a la simplificación de los rótulos y se interna de forma audaz en el proceso de elaboración  de un artista. 

De este modo, el mundo creativo de Paula de Luque reflexiona y construye una mirada sobre el mundo creativo de Oscar Araiz. 

En esa mirada dentro de otra mirada, en ese reflejar infinito de los espejos, la película organiza su propia trama.




Dice Paula de Luque sobre Escribir en el Aire: 

“Me interesa especialmente el proceso de creación en Araiz, el de un universo deshilvanado que súbitamente  asume la materialidad y solidez del cuerpo revelando sus estructuras internas físicas y mentales. 

La teatralidad de las situaciones, la concentración, los interrogantes, el límite entre lo manifestado y el vacío, la acumulación y el derrumbe, conducen a una conclusión paradigmática. 

La obra se independiza, el autor se elimina, de todo ello queda un residuo anímico intemporal. 

Como algo escrito en el aire”.

Trailer

https://vimeo.com/456369658


Sinopsis

La película es un gran juego de piezas que componen un universo muy particular, (por momentos real, por momentos onírico), que se va armando a medida que transcurre, y en ese transcurrir, la obra del coreógrafo Oscar Araiz queda plasmada, ya no al modo de un documento, sino rescatando su belleza, su profundidad, su narrativa a través del tiempo. 

Escribir en el aire es, entonces, una suerte de poema visual mezcla de testimonio con homenaje e historia, y articulación poética entre los lenguajes del cine y de la danza.



FICHA TECNICA

Producción: Barakacine

(con la colaboración de Avellaneda Filma y Gabi y Tomás Stepansky)

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Dirección y guión: Paula de Luque

Productor: Marcelo Schapces

Producción Ejecutiva: Marcelo Schapces y  Mariana Erijimovich

Fotografía: Marcelo Iaccarino

Dirección de Arte: Rodolfo Pagliere

Edición: César Custodio

Sonido Directo: Nicolás Giusti

Diseño de sonido: Fernando Soldevila

Música: Leo Sujatovich

Asistente de Dirección: Eugenio Caracoche

Maquillaje: Julia Boselli.

Vestuario: Vilma Cortinovis Reina (sobre diseños de Renata Schusheim)

Prensa y Comunicación: TP Agencia.

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Con los testimonios de:

Oscar Araiz

Renata Schussehim

Ana María Stekelman / María Julia Bertotto / Miguel Angel Elías

Las bailarinas:

Antonella Zanutto / Magali Brey

Y el cuerpo de  bailarines y bailarinas de Oscar Araiz.

Duración: 83 minutos




Oscar Araiz nació en Punta Alta en 1940. Es uno de los más destacados coreógrafos argentinos, considerado como uno de los iniciadores de la danza contemporánea en su país. 

Realizó estudios de danza moderna y composición con Dore Hoyer y Renate Schottelius. 

También estudió con María Ruanova y Tamara Grigorieva. Creó el Ballet del Teatro San Martín en 1968 y recibió el Konex de Brillante en 2019.

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Paula de Luque es realizadora de cine y televisión, guionista, bailarina, coreógrafa y directora escénica. Ha obtenido numerosos premios y distinciones nacionales e  internacionales. Algunas de sus obras destacadas son “Juan y Eva”, la reciente “La forma de las horas” y la serie “La verdad”. Es directora del Festival FICSUR y de la plataforma de contenidos audiovisuales OCTUBRE TV.

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Barakacine es una compañía de producción independiente con una búsqueda de nuevas miradas en lo conceptual y artístico a fin de aportar al crecimiento de la industria audiovisual. Ha producido más de 40 películas y series. En desarrollo: “Las bellas almas de los verdugos”, Largometraje dirigido por Paula de Luque y escrito por Marcelo Figueras. “El Conserje y la Eternidad”, largometraje dirigido por Marcelo Schapces y escrito por Ricardo Romero y Luciano Saracino.

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"Rivera 2100"

 

Una película dirigida por Miguel Kohan

Sobre una idea de Lito Vitale, Mariana Erijimovich y Marcelo Schapces   

Producción musical: Lito Vitale 




Entre el ser & la nada


Estreno en 22 de Octubre

 


SINOPSIS

  En la noche más oscura de la Argentina, durante 1976, Donvi Vitale y Esther Soto (junto a sus hijos Lito y Liliana) deciden crear un oasis musical y cultural en la casa (que al mismo tiempo es estudio de grabación) en la calle Rivera 2100 de Villa Adelina. 

De allí emerge buena parte de la cultura alternativa de la época y un modo de gestionar la creación artística en absoluta libertad e independencia que perdura hasta nuestros días.


ACERCA DE LA HISTORIA

 En Rivera al 2100, una esquina inhóspita frente a los galpones del ferrocarril en Villa Adelina, el joven matrimonio de Rubens “Donvi” Vitale y Esther Soto levantó con sus propias manos una casa que fue el inicio de todas sus coordenadas, un reducto acogedor que irradiaba arte y libertad mientras
el país padecía la etapa más oscura y violenta de su historia. 

Entre esas paredes comenzó la relación profunda de la pareja Vitale y
sus hijos - Liliana y Lito - con la música, incluso el mismo día de la mudanza adquirieron un piano que un amigo usaba como andamio y que fue el juguete de infancia de Liliana y Lito y el protagonista de interminables tertulias.

Cuando los hijos crecían, Donvi percibió el interés genuino que tenían por la música y se dedicó a investigar y crear un método de enseñanza musical diferente al establecido. 

Fue tan efectivo que Rivera 2100 empezó a llenarse de alumnos, con algunos de los cuales a mediados de la década del 70 fundaron MIA (Músicos Independientes Asociados), una cooperativa de artistas y técnicos hacedores de una obra exquisita y pioneros de la producción independiente en el país. 



MIA se fundó sobre la idea de ser músicos independientes, del Estado y de la industria musical, y de la necesidad de actuar asociados, porque la independencia sin redes no bastaba para avanzar. 

Bajo esos conceptos imantaron a artistas como Alberto Muñoz, el “Nono” Belvis, Juan del Barrio, Daniel Curto, Verónica Condomí, Mex Urtizberea, Gustavo Mozzi, Kike Sanzol, Emilio Rivoira, Perla Tarello, entre otros tantos que junto a Liliana y Lito Vitale integraron las diferentes e innovadoras formaciones (dúo, coro, trío) de MIA y que vivieron de otras actividades – en general la docencia - para no comprometer la calidad de la obra.

Los ensayos en la casa de Rivera llegaron a ser multitudinarios, cuando la cooperativa sumaba cerca de cincuenta personas entre las que también estaban los técnicos de sonido Carlos Melero y Ángel Itelman. 




Con un pasado de política militante, Donvi y Esther reglaron el funcionamiento de MIA lejos de la lucha armada. Intuían que el país empezaría a desangrarse y eligieron el arte para subsistir, vivir con el espíritu del rock aunque también distantes de los comportamientos del rockero de entonces. 

Donvi y Esther fueron determinantes respecto a la negativa de consumir drogas, lo que solía estigmatizarlos como una especie de clan y alejarlos de algunos circuitos musicales. 

No obstante, eso no imposibilitó que se vincularan y crearan junto a artistas admirados como Luis Alberto Spinetta, Egberto Gismonti, Miguel Ángel Estrella, Gustavo Santaolalla y Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, que solían compartir escenarios o su arte en la casa-estudio de Villa Adelina. 

La red no solo la construyeron con colegas sino también con periodistas e intelectuales afines, especialmente nucleados alrededor del Expreso Imaginario, una revista de cultura del rock dirigida por Jorge Pistocchi y pionera en publicaciones alternativas. 

Entre ellos compartían formas de ver la vida que incluía posiciones ante el modo de producción artístico, la naturaleza, las artes plásticas, las filosofías orientales y la poesía. 

MIA y el Expreso Imaginario – con Donvi y Pistocchi como sus grandes ideólogos - se influyeron y enriquecieron mutuamente. Algunos ejemplos de esta comunión fueron los ciclos de conciertos en el Teatro Santa María producidos por MIA que incluyeron conferencias temáticas dictadas por los periodistas de la revista, o la promoción de los eventos en el Expreso que hizo crecer el fichero de la cooperativa (fichas con datos postales de los fans para convocarlos por correo o telefónicamente a los shows) lo que se traducía en conciertos a sala llena. 

MIA dejó de existir con el fin de la dictadura militar y los cambios artísticos generados durante la apertura democrática. 

Su legado consta de: 4 discos (uno triple); innovaciones artísticas históricas como otorgarle espacio a la música instrumental en el rock local o presentar a mujeres en grupo cantando música popular a capella o tocando la batería, roles previamente ocupados por hombres; ser un semillero de artistas que siguió vinculándose de modo sagrado con la obra; y sentar las bases de la producción independiente en el país promoviendo fenómenos como Los Redonditos de Ricota
– a quienes Donvi y Esther trasmitieron sus “secretos” - o la actual UMI. 

El cuidado del concepto, la autogestión y el espíritu rockero continuó en la figura de Donvi y Esther hasta los últimos años de su vida. Un sacerdocio para lograr “una vida con Goyete” (Donvi dixit). 


ELENCO PRINCIPAL

  LITO VITALE, LILIANA VITALE, ESTHER SOTO, DONVI VITALE.
ELENCO SECUNDARIO

 FIDEL VITALE, MEX URTIZBEREA, MIGUEL GRINBERG, PIPO LERNOUD, SALVADOR GARGIULO, AGRUPACION MIA, ALBERTO MUÑOZ, EMME, JANO VITALE, JUAN BELVIS, OLIVERIO BELVIS VEIRA,
CAMILO CUELLO VITALE, LUCIANO MARCO VITALE TORRES. 

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  FICHA TÉCNICA

 Guión: MIGUEL LUIS KOHAN / PAULA ROMERO LEVIT/ ALICIA BELTRAMI
Asistente de dirección: AGOSTINA BRYK
Director de Fotografía: FEDERICO BRACKEN
Música: LITO VITALE/ DANIEL CURTO/ JUAN DEL BARRIO/
ALBERTO MUÑOZ/ JUAN BELVIS
Producción Musical: LITO VITALE
Director de Sonido: NICOLAS GIUSTI
Montaje: CÉSAR CUSTODIO/ CAMILA MENÉNDEZ
Productor: MARCELO SCHAPCES/ MARIANA ERIJIMOVICH
Colorista: IGNACIO DI MARTINO



DATOS TÉCNICOS

 Argentina 2019 - 2020 / Color / 68 min / ATP  


ACERCA DEL DIRECTOR Y CO-GUIONISTA

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MIGUEL LUIS KOHAN


 Realizador independiente con obras premiadas en festivales internacionales y locales. 

Actualmente finalizando su última película de ficción “El Despenador” producida por Vertiente Cine y Vanguard Films de EEUU, con música del dos veces ganador del Oscar, Gustavo Santaolalla.  

Su última realización, “La Experiencia Judía de Basavilbaso a Nueva Amsterdam” fue seleccionada al Bafici 2019, y mostrada en numerosos festivales internacionales, y recientemente nominada a mejor música en cine,
para los premios Gardel 2020.

Dirigió y produjo “El Francesito", un documental (im)-posible sobre el Dr. Enrique Pichon Rivière”, estrenada en el 2016, Obtuvo el Premios Sur como mejor documental del 2016 y fue candidata por Argentina a mejor documental a los Premios Platino del Cine Iberoamericano. 

En el festival, FICSUR obtuvo 4 premios. En 2015 dirigió “Lluvia Cósmica”, un largo unitario sobre el Observatorio Astronómico Pierre Auger, realizado para el canal TEC TV, auspiciado por el Ministerio de Ciencias y Tecnologías, junto con la productora 25pFilms y con el apoyo de la Fundación KIA de Alemania. 

Previamente dirigió la película, “Café de los Maestros”, producida por Lita Stantic, Walter Salles y Gustavo Santaolalla. 

Tuvo una amplia distribución mundial y exhibida en 25 festivales internacionales, destacándose el Festival Internacional de Berlín, Berlinale, 2009, Apertura en el Telmex Arena del Festival de Cine Internacional de Guadalajara del 2009, Festival internacional de Salónica, 2009, Festival internacional de Riocine Brasil, Festival Internacional de Cine de Jerusalén, la película ganó el premio Clarín al Mejor Documental y el Premio Cóndor de Plata al Mejor Documental en el 2009, fue emitida por Canal+ de Francia, por Netflix USA y actualmente distribuida en otras plataformas digitales.

En el 2001 dirigió “Salinas Grandes”, con música de Gustavo Santaolalla, participó en numerosos festivales europeos.

En 1999 funda su productora K films producciones y realiza documentales para cadenas internacionales como BBC (El innovador y su entorno), People & Arts (La Boca de Pérez Celis), Sundance Channel (BAFICI 2000) y TBS de EEUU, y musicales para MTV, Universal Music (BajoFondo TangoClub), 
BMG (Adriana Varela) y Deutsche Grammophon (Mercedes Sosa). 

Miguel Kohan se ha formado profesionalmente en EEUU, realizando un master de cine y televisión en UCLA, (Universidad de California,Los Angeles).

En 1996 gana una beca del National Endowment of the Arts para realizar una investigación para un documental en desarrollo sobre música en extinción en el Noroeste Argentino junto a Leda Valladares.
Brinda clases de cine en el CIC (Centro de Investigaciones Cinematográficas), en la UNSAM y en el 2016 un seminario de capacitación audiovisual “Un cine sin nombre” ( ex documental ) auspiciado por la ENERC, Secretaria de Cultura y la Universidad de Catamarca, y ARIC (Asociación de Realizadores Independientes de Catamarca).

Previamente Miguel Kohan fue Médico Psicoanalista y Psicólogo Social, como fotógrafo realizó exposiciones individuales y colectivas y se ha formado con un Master en dirección de Cine y Televisión en UCLA (Universidad de California de Los Angeles, EEUU).


PALABRAS DEL DIRECTOR

"En una época en donde la pobreza de poder sostener una “experiencia compartible” ya es una marca antes de la pandemia, la llegada para dirigir esta película no podría haber sido más oportuna. 

Tener el privilegio de poder sumergirme en un colectivo de artistas que sobrellevaron la experiencia artística y autogestiva en un contexto tan amenazador como fueron los años 70 propuso un desafío de construcción de una narrativa en donde esta gesta estuviese representada.

Conocí a la familia Vitale y a Lito Vitale en mi adolescencia, durante la época de la dictadura, cuando era fotógrafo de la revista “El Expreso Imaginario”, y con Pipo Lernoud - su director- comentábamos las virtudes del grupo MIA. 

También incursioné en la música tomando clases con Lito Vitale y asi surgió la ocasión de un préstamo de un teclado el “mini-moog” que yo tenia para un concierto de MIA, todo un privilegio para mí.  

Esta anécdota de época se convirtió con el tiempo en algo muy valioso y que nunca hubiese imaginado: dirigir una película sobre el grupo MIA.

El haber compartido aquella época con ellos facilitó sumergirme en la realización de la película sabiendo quiénes eran por haber compartido “un tiempo” y poder, desde allí, elaborar y crear un “espacio fílmico" en donde poder fluir y por sobretodo, verosímil y fiel.

Por eso, esta película significa para mí un re-encuentro y una revelación también de un concepto que anidó más tarde y que fue el rector de la película, la idea del Goyete. 

Término acuñado por el padre de Lito Vitale, Donvi, y que está impreso en un piano que usa Lito Vitale. 

Una idea que fue propuesta en los inicios de nuestros encuentros, una expresión muy nuestra que está ligada justamente a la de una experiencia que sea, antes que nada, transformadora en la vida de las personas. 

Como lo es para mí esta película, de allí, mi agradecimiento a la convocatoria por los Vitale  y la productora, para su realización y para poder acompañar y hacer que esta idea llegue a su mejor concreción y, por sobretodo, para que tenga Goyete."

Miguel Kohan


Trailer




Analia Sanchez Prensa





lunes, 19 de octubre de 2020

Beatriz Lemus, una mujer llena de amor

 


(Aquí transcribimos la descripción que ella misma nos envió por mail)

Beatriz Lemus: Nació el 10 de septiembre de 1985, en Coro Estado Falcón, Venezuela, es la menor de 4 hermanos. 

Hija de Miguel Lemus e Ilse Rodríguez. 

Diagnosticada a la edad de 3 años con Autismo Severo, actualmente el diagnóstico es Autismo moderado y es no verbal. 

Empezó a tocar el piano a la edad de 2 años y medio, tocaba piezas por oído, que escuchaba a sus hermanos tocar, por lo que se consideró que tenía oído absoluto.

A los 3 años de edad ya estaba dando sus primeros conciertos. 

Su primer concurso de piano, fue a los 5 años, obtuvo el premio de primera finalista. 

Considerándose en ese entonces por los grandes músicos del país como una niña prodigio. 

A los 14 años abandonó la música, para asistir a la escuela de medicina de la Universidad Nacional Experimental Francisco de Miranda, se graduó de Médico Cirujano en el año 2006,  hizo postgrado en Medicina Física y Rehabilitación por la Universidad Central de Venezuela graduándose en el 2012, y ejerce actualmente como médico en el Hospital Militar de Caracas. 

En el 2017, retomó sus estudios de música y con exámenes de tipo extraordinario se gradúa de pianista tanto por la Escuela Nacional de Música Juan Manuel Olivares y por la Universidad de las Artes. 

Hizo diplomado en Dirección coral y Orquestal en la Escuela Nacional de Música Juan Manuel Olivares. 

Da conciertos a nivel nacional para la concienciación del autismo. 

Y trabaja como maestra de piano.



Aquí sus redes sociales

Instagram o por Twitter @bealemusr (la misma dirección en ambos)


Notas realizadas a Beatriz Lemus en Venezuela con sus acompañantes terapéuticos y maestros de música:

https://www.youtube.com/watch?v=T4kV5lbjKKc


Canal de Youtube de Beatriz Lemus con sus obras:

https://www.youtube.com/user/AshraLemus

lunes, 12 de octubre de 2020

DRIFT

                  Una pelicula de Helena Wittmann



ESTRENO 8 DE OCTUBRE EN

En su primer largometraje, la cineasta alemana Helena Wittmann, traduce la ausencia y el vacío en un viaje por la inmensidad del océano, un paisaje que nunca fue estéril, muy al contrario, un espacio de vulnerabilidad que siempre ha sido representación de las pasiones más profundas del ser humano.

El título se podría traducir como "ir a la deriva", "dejarse llevar", "giro" o incluso "cambio", y todo ello parece a priori la única respuesta a la pregunta que, indirectamente, plantea la directora a lo largo de toda su película: ¿Cuál es la finalidad de la existencia?

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*Semana de la Crítica del Festival de Venecia en 2017*
*DOC BUENOS AIRES 2018*
*Filmadrid 2018: Sección Oficial - Mejor Película*
*Zinebi Bilbao - Mención Especial del Jurado* 
*Sección Bright Future - Festival Internacional de Cine de Rotterdam 2018*



SINOPSIS

Dos mujeres pasan un fin de semana juntas cerca del mar. 

Una de ellas está a punto de regresar a Argentina y todo podría ser parte de una despedida. Es entonces cuando el mar lo toma todo. 

Un velero cruza el océano atlántico y nunca en una película el mar tuvo tanta fuerza como en esta propuesta: la tierra desaparece, una ola sigue a la otra, el cielo y el agua se funden, y dan paso a una vista que podría ser la de un planeta desconocido, un planeta acuático con sus propias reglas y ritmos. 

El mar toma completamente la narración y el sonido, y de lo que se trata es de dejarse llevar.



FICHA TÉCNICA
Título original: Drift
Año: 2017
Duración: 98 min.
País: Alemania
Dirección: Helena Wittmann
Guion: Helena Wittmann, Theresa George
Música: Nika Son
Fotografía: Helena Wittmann
Empresa Productora: Fuenferfilm
Género: Drama

ELENCO
Theresa George, Josefina Gill

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SOBRE LA DIRECTORA



Helena Wittmann (Neuss, Alemania, 1982) es una directora alemana que se caracteriza por cuestionar la importancia de los espacios en sus historias, interrogándose por los límites de cada lugar. 

Desde 2015 trabaja como asistente de investigación artística con Angela Schanelec. 

Sus trabajos anteriores, Wildnis (2013) y 21,3°C (2014), se han presentado en festivales internacionales. Tras debutar en el largometraje con DRIFT, presentó su siguiente trabajo, Ada Kaleh, en el FILMADRID 2019.


prensa@criszurutuza.com.ar




OCTUBRE/ Imperdible programación de Comunidad Cinéfila SALA VIRTUAL




El costo de la entrada por film es solo de $160 
y tiene una duración o vigencia de 24 hs

PROGRAMACIÓN OCTUBRE SALA VIRTUAL

comunidadcinefila.org


En octubre Comunidad Cinéfila (una organización que trabaja en la promoción y exhibición del arte cinematográfico y en la formación de espectadores), abre su SALA VIRTUAL con una programación curada en torno a dos ejes: Matriz, que reúne filmes sobre historias de padres e hijos, de encuentros y desencuentros, y Nuevos comienzos, con relatos que reflejan cambios de vida, inicios y nuevos puntos de vista para mirar el mundo.


Programación Octubre

Matriz

Películas que cuentan historias de padres e hijos, de encuentros y desencuentros, de búsqueda de identidades, de lazos invisibles que nos unen más allá de las diferencias.

Malamadre traspasa a través de distintos relatos el imaginario social para espiar el lado oculto de la maternidad. 

Silvia, nos propone encontrarnos con la mirada de una hija sobre su madre, a partir de la reconstrucción de imágenes del archivo familiar, donde lo no dicho se impone de manera contundente para contar la tragedia silenciada por generaciones. 

Familia, retrata los pequeños actos, las rutinas diarias, las obsesiones personales de cada integrante en el interior del hogar de los Castro; una mirada descarnada sobre la convivencia.  

Hogar, relata la vida de madres adolescentes en una institución religiosa donde la llegada de una nueva monja devela las contradicciones de un lugar en el que conviven la maternidad precoz de las chicas y aquella ausente de las monjas.

En La Botera nos encontramos con la lucha de Tati por ser, en el despertar adolescente se encuentra frente a una compleja relación con su padre y su deseo por lograr un oficio vedado a las mujeres.

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Malamadre  de Amparo Aguilar  
Documental / 2019 / Arg- Uruguay/ 71' 

Silvia de María Silvia Esteve
Documental / Argentina / 103’ / Español - Inglés 

Familia de Edgardo Castro 
Ficción / Argentina / Español / Color/ 90' /2019 

Hogar de Maura Delpero
Ficción / Argentina - Italia / 2019/ Color / 91’/ Español /SAM 13 años

La botera de Sabrina Blanco 
Ficción /Argentina-Brasil/ 2019/ 75' / Español

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 Nuevos comienzos

Películas que cuentan historias de nuevos comienzos, de vidas que cambian y se enfrentan a un nuevo punto de vista para mirar el mundo. 

Tarde para morir joven, enlaza las temáticas elegidas para octubre en Comunidad Cinéfila porque retrata la vida familiar en comunidad pero también ese momento de la vida donde todo está por venir; el despertar adolescente de Sofía que nos invita a bucear en nuestra memoria sobre ese momento vital.

Loveling también tiene su punto de contacto con el otro eje temático de este mes (Matriz): retratando el momento de la vida donde los padres deben dejar ir a los hijos, esta comedia dramática refleja con ternura el proceso que hace Irene para poder despedir a su primogénito y reconocerse a sí misma ante el espejo.

Un hecho fortuito es el que lleva a La Protagonista a ser el centro de la escena pero cuando todo pasa y no quedan más anécdotas que contar, Paula busca volver a empezar.

Gutland nos sitúa en la llegada de Jens, un extranjero  a una comunidad rural, poco a poco se va insertando en la rutina y trabajo del campo pero pequeños indicios nos muestran que algo se oculta.

La muerte no existe y el amor tampoco viaja al pasado para transitar el duelo y la memoria de los vínculos muertos que aún perduran, pero ese camino necesario para dejarlos ir se transforma en un nuevo comienzo. 

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Tarde para morir joven de Dominga Sotomayor 

Ficción/ 2018 /Chile-Brasil-Argentina-Países Bajos-Qatar /110’  

https://vimeo.com/294234829

Loveling de Gustavo Pizzi 

Ficción/ 2017 /Brasil-Uruguay-Alemania /95’ 

https://www.youtube.com/watch?v=ZqiCYay1GQk

Gutland de Govinda Van Maele 

Ficción/ 2017 / Luxemburgo / Alemán/ 107’ 

https://www.youtube.com/watch?v=Sif439KtxWM

La muerte no existe y el amor tampoco de Fernando Salem

Ficción/ 2019/ Argentina/ Español/ 81’  

https://www.youtube.com/watch?v=v_nVhgxt940

La protagonista de Clara Picasso

Ficción/ 2019 / Argentina / Español/ 65’ 

https://www.youtube.com/watch?v=fRqCfnVumtI


SOBRE COMUNIDAD CINÉFILA

Fundada por Alejandra Ruiz y Daniela Diestre, Comunidad Cinéfila es una asociación civil cuyo objeto es la promoción y exhibición del arte cinematográfico a partir de la formación de espectadores de cine. Su trabajo se inicia hace 10 años con la creación del Cineclub Comunidad Cinéfila, un espacio fundado para difundir el cine argentino y para recuperar la experiencia social de ir al cine.

En el contexto de pandemia y con el cierre de las salas sobrevino la necesidad de avanzar en otros proyectos que venían gestándose lentamente. Haciendo de la crisis una oportunidad, surge esta nueva plataforma o SALA VIRTUAL.


Luciana Zylberberg Prensa

Tengo Miedo Torero

 

Llega a la Argentina



Luego de su exitoso estreno en Chile, donde más de 65 mil personas se conectaron a la primera función vía streaming y de la presentación en la sección Giornate Degli Autori del Festival Internacional de Cine de Venecia, Tengo Miedo Torero, el film basado en la novela de Pedro Lemebel.

La exitosa película dirigida por Rodrigo Sepúlveda y protagonizada por Alfredo Castro, estrena el 15 de octubre a las 22 hs. por la pantalla de 


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Sinopsis

Durante la turbulenta dictadura de Pinochet en el Chile de los años 80', una vieja y pobre travesti se involucra en una arriesgada operación clandestina, tras enamorarse de un guerrillero mexicano que le pide ocultar en su casa peligrosos secretos de la resistencia.

Alfredo Castro ha logrado consolidarse como uno de los actores más respetados y versátiles de Latinoamérica. Sus galardones más importantes incluyen: Premio a la trayectoria artística en cine 'Starlight International Cinema Award' en el Festival de Venecia (2019); Premio Fénix: Mejor Actuación Masculina con la película "El Club" (2015); Mejor Actuación Masculina en el Festival de La Habana y Mejor Actuación Masculina en Festival de Guadalajara (2010) por "Post Mortem"; Mejor Actuación Masculina con la película "Tony Manero" en el Festival de Torino (2008).

Alfredo Castro sobre el autor en Golden Globes Awards: “Pedro Lemebel era un activista LGBT muy potente, muy comprometido con la causa, con las disidencias sexuales y con la marginalidad que existe en Chile. Luchó durante 35 años con su cuerpo. Se vestía de mujer, usaba tacos, se maquillaba, usaba plumas, provocaba a la burguesía y al orden, siendo bastante maltratado por todo la centro izquierda, la izquierda y la derecha del mundo político. Pedro era un personaje muy singular, con humores muy especiales. Podía amarte un día y a las dos horas odiarte con la misma intensidad”.



En redes sociales:
Instagram: @Tengomiedotorerofilm.
Facebook: Tengo Miedo Torero – Film.
Twitter: @MiedoTorero.



TENGO MIEDO TORERO
Estreno: 15 de octubre a las 22 hs., por Cine.Ar TV.  
Segunda emisión: 17 de octubre a las 22 hs. por Cine.Ar TV.
Disponible en Cine.Ar Play del 16 al 23 de octubre.
Cine.Ar TV se encuentra en el canal 60 de Cablevisión analógico y en el 300 de Cablevisión Flow, en el 1049 de Telecentro, 512 de Direc TV y en los principales cableoperadores del país.




LA LOCA DEL FRENTE: Alfredo Castro
CARLOS: Leonardo Ortizgris
LAURA: Julieta Zylberberg
RANA: Sergio Hernández
LUPE: Ezequiel Díaz
MYRNA: Luis Gnecco
DOÑA OLGUITA: Amparo Noguera
DOÑA CLARITA: Paulina Urrutia

Equipo Técnico

DIRECTOR: Rodrigo Sepúlveda
GUIÓN: Rodrigo Sepúlveda, Juan Tovar
PRODUCTORES: Florencia Larrea, Lucas Engel, Gregorio González (FORASTERO - Chile) / Ezequiel Borovinsky, Alejandro Israel (TORNADO - Argentina) / Diego Martínez Ulanosky (CAPONETO - México) / Jorge López Vidales, Daniel Oliva Basso (ZAPIK - Chile)
DIRECTORA DE PRODUCCIÓN: Carolina Provoste
JEFE DE PRODUCCIÓN: Gerson Valenzuela
DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Sergio Armstrong
DIRECCIÓN DE ARTE: Marisol Torres
DISEÑO DE VESTUARIO: Carolina Espina
MAQUILLAJE & PELUQUERÍA: Franklin Sepúlveda
DISEÑO DE SONIDO: Santiago Fumagalli
EDICIÓN: Ana Godoy, Rosario Suárez
MÚSICA ORIGINAL: Pedro Aznar
PRENSA Y COMUNICACIÓN EN ARGENTINA: Tommy Pashkus Agencia